Texto: Melissa Torres / Fotografía: Jose Vera Visagel
Fotógrafo especializado en publicidad y moda por la Escuela Foto Design de Buenos Aires en el 2015. Egresado de Fotografía Profesional del Centro de la Imagen en el 2014. Diseñador publicitario por el Instituto Peruano de Publicidad en el 2006. Ha expuesto individuales y colectivas a nivel nacional. Además, ha participado como expositor en Lima Photo Feria Internacional de Galerías de Arte especializadas en Fotografía desde el 2013. Ha sido fotógrafo de las revistas: Cosas (2003-2009), Hola (2010-2011) y Vogue (2012). Su última exposición Fragmentar en La Galería, durante agosto y setiembre de este año, incide en la búsqueda estética del movimiento a través de la construcción fotográfica bajo la influencia de las corrientes artísticas del siglo XX, retratando espacios urbanos de Berlín y Suecia.
- ¿Cómo inicia la búsqueda de un proyecto artístico en fotografía? ¿Teoría o práctica? ¿Qué pesa más a la hora de hacer un encuadre?
- Todo proyecto inicia con un estudio, una investigación. Si bien uno puede empezar como autodidacta y adiestrar el ojo, la parte teórica es indispensable. Con el tiempo entretenida. Que te guíen refuerza los conocimientos aprendidos a lo largo de la práctica. Un encuadre requiere de ambos pero, sobre todo, de instinto.
- ¿Cuáles son los pasos que debes seguir a la hora de planificar y producir una serie fotográfica?
- Mi labor inicia con un boceto mental de lo que deseo comunicar. El proceso implica la búsqueda de ángulos en una localidad determinada. El viaje me inspira para hacer el trabajo. Es entonces cuando empiezo a componer el lienzo. Si tomo una foto y no me gusta, repito el ejercicio hasta obtener el resultado esperado. Es a mi regreso al taller que inicio las pruebas de impresión y construyo maquetas que me permiten vislumbrar el producto. La serie Fragmentar tomó un periodo de cinco meses entre la planificación y la producción.
- ¿Qué caracteriza y distingue a la serie Fragmentar de tus anteriores proyectos?
- Esta serie es la cumbre de un proceso de trabajo que parte desde mi primera individual en 2009. La caracteriza el deseo de crear a partir de mi interés por dos movimientos artísticos, el arte cinético y el arte óptico. Durante siete años investigué y construí composiciones dinámicas que expresaran movimiento en mi fotografía. El estudio de la percepción me llevó a cambiar la bidimensionalidad de la foto impresa por la tridimensionalidad del objeto a través de la superposición de imágenes fijas. Esta serie se distingue de las anteriores por haber alcanzado el cometido óptico. Hay una influencia del trabajo de Harry Callahan en mi actividad como fotógrafo y artista. Si bien retrato la ciudad, el material se convierte en una documentación del entorno.
- ¿Cómo debe interactuar el espectador con tu obra para disfrutar del ejercicio visual?
- Recomiendo al público, ubicar su propio ángulo de visión. Una vez que el espectador logra unir o alinear las formas fragmentadas en una sola imagen, puede desplazarse de derecha a izquierda. Este movimiento aporta la experiencia tridimensional a la pieza. Todos percibimos la realidad en función a nuestra relación con el entorno. Para poder ver algo con más claridad necesitamos alejarnos. Lo mismo aplica para observar las obras de esta serie. Uno debe tomar distancia para apreciar, en toda su magnitud, la foto. Mientras más lejos se observe, el resultado será mucho más satisfactorio ya que de cerca es posible que la imagen se perciba como una composición abstracta.
